Sichtbar machen, was verborgen bleibt – die Arbeiten von Judith Karcheter sind mehr als visuelle Erscheinungen. Klare Formen treffen auf subtile Erzählstrukturen, farbige Kompositionen wecken poetische Assoziationen, die präzise Anordnung im Raum zeugt von konzeptioneller Stärke. Jedes Objekt, jede Wandarbeit und jede performative Geste folgt einer durchdachten Choreografie. Die Motive entstehen aus zufälligen, sinnlichen Alltagssituationen. Die Eindrücke hält die Künstlerin mit Skizzen, Fotos, Fundstücken oder Textnotizen fest. Diese Erfahrungen verdichtet sie in einem fortlaufenden, iterativen Arbeitsprozess. Ihr Archiv ist zugleich Fundus und Spiegel biografischer wie geografischer Impulse – etwa von Reisen, zuletzt nach Brasilien. Dort entstandene Fotografien wirken beiläufig, offenbaren jedoch bei näherem Hinsehen eine formale Präzision. In Ausstellungen erscheinen sie wie poetische Randnotizen, die Alltägliches neu beleuchten. Über Jahre hinweg entwickelt die Künstlerin ein visuelles Vokabular aus geometrischen Formen und einem breiten Farbspektrum. Dieses fließt nicht nur in Collagen, sondern auch Textilarbeiten, Objekte und raumgreifende Installationen ein. Performative Elemente thematisieren Körpergrenzen und Schutzräume, sind sinnliche wie politische Reflexionen – zwischen Intimität und Öffentlichkeit, Form und Erfahrung.
»Maybe baby, maybe mood, sometimes moody, mood kommt vor. Depends.«
In ihrer Ausstellung im Kunstraum München vermischt Franziska Nast existenzielle und weniger dramatische emotionale Zustände zu einem Gesamtbild. Zwischen Vergänglichkeit, Unbeschwertheit, Sehnsucht, Party, Glamour und Widerstand entfalten sich in Ober- und Untergeschoss des Kunstraum die komplexen Gemütslagen des »nasty universe«.
Immer wieder verwendet Nast Techniken auf Untergründen, die nicht für solche Anwendungen vorgesehen sind: Sie arbeitet bevorzugt mit kontrastierenden Materialien wie Haut, Reispapier, Metall oder Asphalt, in die sie zeichnet, tätowiert, perforiert oder sandstrahlt. So fügt sie in die Oberflächen von sowohl gefundenen als auch selbst produzierten Materialien verschiedene Zeichnungen und Texte ein, die in einen Dialog mit den persönlichen und gesellschaftlichen Bedeutungen der Objekte treten. Dabei verknüpft Nast Themen wie Erinnerung, Care-Arbeit und Affekt und legt zugleich Brüche und Überlagerungen ihrer multiplen Rollen als Künstlerin, Betreiberin des Modelabels Fack Fushion, Tätowiererin, Buchgestalterin, Mutter und Mitbegründerin des Kunstverein St. Pauli offen.
In Foto- und Videoarbeiten, Zeichnungen und bronzierten Skulpturen verschränkt Nast dabei autobiografische Elemente mit feministischen, kunsthistorischen und popkulturellen Referenzen. Ein wiederkehrendes Objekt ist ihre Alocasia macrorrhiza (im Volksmund Elefantenohr), eine Zimmerpflanze und treue Wegbegleiterin der Künstlerin, die seit vielen Jahren einen Platz in ihrem Hamburger Atelier hat. Die Alokasie ist nicht nur in die Kolonialgeschichte botanischer Gärten verstrickt, sondern auch Teil von Nasts Familie, und findet wie alle Familienmitglieder regelmäßig Eingang in die künstlerische Auseinandersetzung. Im Kunstraum München trifft dieses palmenartige Gewächs auf Bilder von Zahnabdrücken der Künstlerin, die als Träger für Schmuck und Botschaften fungieren (»Zähneknirschen mit Bling-Bling!«) und auf eine tätowierte Urne.
Fast meint man, einen pulsierenden Beat zu spüren, der sich über das Gesamtgefüge legt und dabei eine Wandarbeit aus Erdnüssen streift (»was haben Alokasien mit Erdnüssen zu tun?«) bis er sich im Sonnenuntergang eines raumgreifenden Videos auflöst – »into the nasty universe, vom feeling her!«
Kuratiert von Lena von Geyso und Nina Holm.
F. Nast, Tattoo-Motivkollektion, 2025
Zur Finissage am Sonntag, 6. Juli 2025, ab 12 Uhr, lädt die Künstlerin zu einem ihr noch unbekannten Programm ein. (»Kommt auf den mood und das money an!«) Weitere Informationen folgen kurzfristig. Alles, was wir bisher wissen *:
»Finissage – (Some mood in the meantime)(Stimmung in der Zwischenzeit) In einem moody & hybriden Zusammenspiel von Analogem und Digitalem erforscht das nasty Rahmenprogramm die wechselseitige Beziehung zwischen Mensch und Ding. Haut kommt vor. Mood kommt vor. Depends. Die Arbeiten von Nast kreisen um Identität, Weiblichkeit und soziale Normen und eröffnen dabei Zwischenräume des Wandels. Was bedeutet es, die Gestalt wechseln zu können, in einer manchmal magischen Welt? Getting lost. Wann, wie, wo – bleibt offen. Abhängig vom Mood entstehen kurze Zwischen-Intermezzi, deren Bekanntgabe kurzfristig erfolgt. Ein Ort des discovery, Entdeckung und Begegnung – zumindest mal von Möglichkeiten. Ja, ey, maybe paradise im jardin de regrets.«
* Jetzt wissen wir schon mehr:
Temporäres Tattoo-Studio Dienstag, 1. Juli bis Donnerstag, 3. Juli 2025 Da die Termine begrenzt sind, bitten wir um Anmeldung per E-Mail: info(at)franziskanast.de
Zum Ausklang der Ausstellung »M wie Mood« von Franziska Nast verwandelt sich das Erdgeschoss des Kunstraum München in ein temporäres Tattoo-Studio. Seit 2012 führt Nast, die bei dem Tätowierer und Fotografen Herbert Hoffmann das Tätowieren lernte, ausstellungsbegleitende Sessions durch. Die eigens für den Kunstraum entwickelte Motivkollektion »Still loving Vampirzähne« greift zentrale Elemente von »M wie Mood« auf. Wie bei Nasts ortsspezifischen Tattoo-Interventionen üblich, sind die Motive exklusiv und nur an diesen drei Tagen im Kunstraum erhältlich. Die Tattoos fungieren dabei gleichermaßen als Edition und körperliches Ausstellungsarchiv.
Finissage zum Open Art Munich Gallery Weekend Sonntag, 6. Juli 2025, ab 12 Uhr Die Künstlerin ist anwesend.
Dialogische Gesprächscollage Sonntag, ab 16 Uhr mit Franziska Nast, Michael Hirsch, Lena von Geyso und Nina Holm
Gemeinsam nähern sich der Philosoph, die Künstlerin und die beiden Kuratorinnen in spontaner und dialogischer Form der Ausstellung an und nehmen dabei auf Motive zu Arbeit, Sehnsucht und künstlerischen Strategien des »Durchlöcherns« Bezug – angelehnt an Passagen aus Nasts umfassendem Künstler:innenbuch »RRRRReality« (Textem Verlag, 2023) und dem jüngsten Buch »Durchlöchert den Status Quo« von Michael Hirsch (zusammen mit Kilian Jörg, Edition Nautilus, 2025).
Franziska Nast ist bildende Künstlerin, Buchgestalterin und Fashion Designerin und arbeitet in den Bereichen Zeichnung und Multimedia. 2011 schloss sie ihr Studium in Bildender Kunst und Kommunikationsdesign an der HBK Braunschweig ab. Seit 2007 praktiziert sie als Schülerin und Freundin des Tätowierers Herbert Hoffmann das Tätowieren. Daneben ist sie Mitgründerin des Kunstvereins St. Pauli in Hamburg, mit dem sie seit 2006 experimentelle Ausstellungsformen im urbanen Kontext entwickelt. In ihrer künstlerischen Praxis arbeitet Nast mit Metamorphosen von Techniken und Zeichnungen, wobei die Arbeitsmethoden und Materialien immer wieder hinterfragt und in verschiedenen Bereichen neu interpretiert werden. Nast hat national und international ausgestellt, darunter im Kunstverein Wolfsburg (2024), im Kunsthaus Hamburg (2021) oder im Kunstverein Miagao, Philippinen (2020). Ihre erste museale Einzelausstellung fand 2023 im Arp Museum, Bahnhof Rolandseck, statt. Sie erhielt mehrere Stipendien und Auszeichnungen, darunter das Hamburger Zukunftsstipendium (2021) und das NEUSTART KULTUR-Stipendium der Stiftung Kunstfonds (2022).
Michael Hirsch ist promovierter Philosoph, Politikwissenschaftler und Kunsttheoretiker. Er lehrt politische Theorie an der Universität Siegen und arbeitet als freier Autor in München. Seine Arbeit kreist um kritische Gesellschaftstheorie, Kulturpolitik und Ästhetik. Zu seinen aktuellen Publikationen zählen »Durchlöchert den Status Quo. Autonome Zonen, radikale Demokratie und Ökologie« (zusammen mit Kilian Jörg, 2025), sowie »K – Kulturarbeit: Progressive Desillusionierung und professionelle Amateure« (2022) sowie »R – Richtig Falsch. Es gibt ein richtiges Leben im Falschen« (2019).
Das Projekt wird unterstützt durch die Klaus-Dahms-Stiftung für Bildung, Kultur und Sport und die Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung. Die Werkproduktion von Franziska Nast wird gefördert durch die Liebelt-Stiftung Hamburg.
Das Gastprojekt »Crotla Presents: Tin makes Sense« zeigt die Ergebnisse eines kollaborativen Arbeitsprozesses, in dem sich die eingeladenen Künstler:innen mit dem Material Zinn experimentell auseinander gesetzt haben. Die Arbeiten werden gemeinsam installativ präsentiert.
Ein Gastprojekt im Kunstraum, aus Anlass der Münchner Schmuck
Crotla Presents: Tin makes Sense von Ramona Šeremešić
Der Einfluss von Metallen auf die Menschheit wird bezüglich der Nomenklatur langandauernder Perioden der Menschheitsgeschichte evident. Verwendung findet in der Ausstellung „Tin makes Sense“ Zinn, welches bereits ab der Bronzezeit seinen Einsatz in der namensgebenden Legierung findet, zusammen mit Kupfer. Als eines der am frühesten verarbeiteten Metalle lässt sich dessen historische Bedeutung nicht leugnen, auch, wenn sich die Natur der Produkte gewandelt hat: Während man mittelalterlichen Pilgermarken aus einer Blei-Zinn-Legierung sogar eine heilende Wirkung nachgesagt hat, kann man gleiches nicht von modernen 10-, 20- und 50-Cent-Münzen behaupten, obgleich diese ebenfalls Zinn enthalten. Beide Objektklassen verbindet jedoch eine ähnliche Implikation: Sie sind Beweise für abstrakte Stellvertreterbeziehungen, Transaktionen und Transformationen.
Der Fokus der Ausstellung „Tin makes Sense“ schöpft sowohl aus dem Gewicht des historischen Metalls Zinn als auch aus dem graduellen Verfall seines metaphysischen Werts: Besitzt Zinn in seiner reinen Form noch eine valide Daseinsberechtigung, oder hängt dessen Akzeptanz nur mehr an seinem Nutzen als Beimischung zu anderen Metallen? Wie kann es in den Fokus gerückt werden, wenn es größtenteils nur als Legierungszusatz Verwendung findet, wobei im Anschluss das Endprodukt seine Bestandteile vollkommen überschattet?
Aufgestellt wird die Behauptung, dass genau ebendiese Eigenschaft Zinn als Material von anderen abhebt. Sein bei 231,9°C liegender Schmelzpunkt erleichtert maßgeblich die Bearbeitung und erlaubt die unkomplizierte Formung des Metalls unter niedrigem Energieaufwand. Die Legierungen in Verbindung mit Kupfer, Blei, Zink oder Antimon weisen Robustheit und Stabilität auf: ‚Zinngeschrei‘, das brutal terminierte Geräusch charakteristischen Knirschens beim Verbiegen reinen Zinns, setzt selbst bei geringer Beimengung anderer Metalle aus. Als Lot zeichnet sich die Zinnlegierung durch ihren niedrigen Schmelzpunkt und die Qualität, andere Metalle zu binden, aus. Wenngleich Zinn in der Ausstellung Verwendung in seiner Reinform findet, unterstreichen die bewusst gezogenen Seilstrukturen dennoch das metaphorische Potenzial für Verbindungen.
Die Idee dieser Ausstellung ist die sogenannte ‚Art Collaboration‘, bei der die Vielfalt der Perspektiven zu zufälligen Beziehungen zwischen den gemeinsam aus Zinn angefertigten Werken führt. Genauso wie Zinn als Mittel zum Zweck für legierte Endprodukte benutzt wird, so akzentuiert die Ausstellung die Rolle des Schwermetalls im Herstellungsprozess und betont seine Funktion als verbindender Bestandteil innerhalb eines facettenreichen Großen und Ganzen. Durch die Vielfalt der Perspektiven entsteht ein Endprodukt, welches schließlich kohäsiv von eigens gefärbten Jutestricken zusammengehalten wird. So wird jede Baumstruktur ein eigenes Werk, das Autorschaft verschmelzen lässt. Eine Legierung im metaphorischen Sinn. Durch Zinn, Jute, und Menschenhand.
Obgleich Zinnlagerstätten heutzutage weitestgehend ausgebeutet sind, greift Crotla – wie ein Seifner – in Vergessenheit geratenes Material wieder auf. Durch die Verbindung der einzelnen Werke untereinander zu Sinngemeinschaften ermöglicht er so in Zusammenarbeit mit den beteiligten Künstlerinnen und Künstlern mehrschichtige Interpretationen des ausgestellten Konglomerats.
Nina Annabelle Märkls Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle zwischen Zeichnung, Installation und Objekt. Oftmals entstehen modular-landschaftliche Settings, in denen die einzelnen Elemente miteinander in Dialog treten und die Betrachtenden in ein Spiel mit der eigenen Wahrnehmung und des Perspektivwechsels mit einbeziehen.
Die Monografie Scapes vereint verschiedene Stränge der Arbeit in der Vielfalt ihrer Verknüpfungen und Sprünge, die in der Unterschiedlichkeit ihrer Erscheinungsform aufeinanderfolgen oder sich in einzelnen Anordnungen durchdringen.
Im Gespräch mit Alexander Steig geht es um werkbiografische Entwicklungen und Ordnungsstrukturen sowie um die Durchlässigkeit zwischen Zeichnung und Raum, Innen und Außen.
Der in München lebende neapolitanische Künstler Danilo Bastione bietet erzählerisch einen roten Faden zu seiner künstlerische Herangehensweise. In verschiedenen Bereichen hat er seine bildhauerische Praxis konzeptionellen Risiken ausgesetzt, indem er in allen Phasen der Arbeit wissenschaftliche Metaphern heranzieht und weiterentwickelt. Gleichzeitig hat er, im Einklang mit wissenschaftlicher Ethik, Fehler akzeptiert, einzelne Theorien hinterfragt und einen offenen Prozess durchlaufen, bei dem er mit weit mehr Informationen aus der Arbeit hervorgegangen ist, als er zu Beginn besaß. In den publizierten Werkbeispielen wird Wissenschaft auf unterschiedliche Weise thematisiert und jeweils anders »verwendet«, wodurch sich immer neue Bedeutungen entfalten.
Die Leipziger Künstlerin gibt Einblick in ihre bewusst offene und auf Kooperation angelegte künstlerische Praxis. Ihre modularen Skulpturen und raumgreifende Installationen sind funktional und immer auch ein Spiegel der Kontexte, in denen sie wirken.
Für die Ausstellung zu »›Kunst im 3. Reich‹ – Revision einer Ausstellung« (AT), kuratiert von Luise Horn, Ambra Frank und Constanze Metzel (17.9. – 2.11.2025) im Kunstraum München wird Paula Gehrmann ein raumgreifendes Display entwickeln.
Oft arbeitet Paula Gehrmann an der Schnittstelle zwischen Kunst und Vermittlung bzw. Ausstellungsdisplay. Ihre Arbeit schafft Plattformen für die Teilhabe am Diskurs und ermöglicht so die Um- und Neuauslegungen von Verhältnissen auch für Betrachter:innen.
Im Gespräch mit Lena von Geyso geht es um die Beziehung von Skulptur und Raum, das Format Ausstellung und mögliche Erzählungen für die Gegenwart.
Das Handeln ohne Auftrag ist eine innere Logik des Freiberufs von Künstler:innen. In der Ausstellung »Unbekannte« beschreibt Benedikt Gahl die Notwendigkeit von (künstlerischer) Selbstbestimmung. Inwiefern wird und kann Unbekanntes 2025 noch sichtbar werden? In dieser Frage nach dem Sichtbaren steckt auch eine Kritik an einer Kulturpolitik der Repräsentation. Hier wird das Unbekannte dem Neuen und technisch Innovativen gegenübergestellt und als Investition in bildnerische Methoden verstanden, die uns (weiter)bilden. Was erkenne ich auf den Leinwänden, was ist dieses Unbekannte? Es wird zu einer Aufforderung, anders zu sehen und zu denken. Nicht einverstanden zu sein mit der Realität unserer Zeit, kann Anlass sein, neue Formen zu finden.
Der Schwerpunkt von Gahls Werken liegt in der Ölmalerei auf Leinwand und Papier. Jenseits, aber nicht außerhalb, der digitalisierten Welt bewegen sich Gahls Arbeiten entlang bekannter Ansätze aus der Tradition und Geschichte der abstrakten Malerei und visueller Massenkultur. Sie werden vom Streben nach einer Autonomie getragen, die über die künstlerische Selbstbestimmung hinausreicht und auch in der Auseinandersetzung und Arbeit mit Räumen deutlich wird. So übernimmt der Künstler beispielsweise temporär mit anderen Künstler:innen eine Kneipe und macht dort unentgeltlich Kulturprogramm mit Lesungen und Konzerten neben dem Barbetrieb auf Spendenbasis. Der transformierte Ort der ehemaligen Gaststätte wird dabei »weder als Kneipe/Boaz’n, oder auch Event/ Vergnügungsstätte, sondern vielmehr als ein Ort, an dem sich verschiedenste Subkulturen und Gesellschaftsschichten der Stadt begegnen und austauschen können, verstanden.« (T.A.G., Temporäres Archiv der Gegenwart, 2015) Die Ausstellung im Kunstraum will diese Strategien des Lokalen in Gahls Werk nachverfolgen und weiter besprechen. »Unbekannte« ist als weiterer Realisierungsversuch persönlicher und gesellschaftlicher Utopie in einer andauernden Gegenwart zu verstehen.
Zur Ausstellung erscheint das Künstlerbuch »Die Rückkehr des 21. Jahrhunderts« (2025) im Verlag des Kunstraum München und eine Edition einer Arbeit Gahls in einer Auflage von 50 Stück. Die Edition wird zur Eröffnung unentgeltlich zu erhalten sein.
Die Ausstellung wird von Angela Stiegler kuratiert
Benedikt Gahl lebt und arbeitet in München. Ein Gravitationszentrum Benedikt Gahls künstlerischer Praxis ist die Beschäftigung mit Malerei. Gleichzeitig und in seinem Werk gleichberechtigt arbeitet er an den Peripherien des Kunstbetriebs und beschäftigt sich innerhalb aktueller Diskurse mit Fragen nach Rändern, Lücken und Diskontinuitäten unserer Wahrnehmung von Geschichte, politischen Kämpfen, urbanen und politischen Räumen. Er arbeitet in verschiedenen, von ihm mitbegründeten, Künstler:innen- Kollektiven (T.A.G., »r.a.t.s.«) und veröffentlicht als Verleger im VVV/VVR Verlag Bücher und Tonträger. Zudem kuratiert und organisiert er gelegentlich selbstorganisierte Ausstellungen, Aktionen und Interventionen im öffentlichen Raum.
Programm
Arbeiter:innenfilmprogramm
Freitag, 2. Mai 2025, 19 Uhr, im Kunstraum (Screening von 19:30 Uhr bis 20:15 Uhr)
Finissage mit Buchpräsentation und Ausstellungsrundgang mit Benedikt Gahl und Angela Stiegler
Sonntag, 11. Mai 2025, 11 Uhr (Buchpräsentation), 15 Uhr (Ausstellungsrundgang)
Im Rahmen von Various Others: 8. – 11. Mai 2025
Benedikt Gahl Unknown
March 27 — Mai 11, 2025
Opening Wednesday, March 26, 2025, 7 p.m.
Workers’ cinema / Unemployment Day Friday, May 2, 2025, 7 p.m. in Kunstraum (screening 7:30 p.m. – 8:15 p.m.)
Finissage (as part of »Various Others«) Sunday, May 11, 2025, 11 a.m.: Book Launch (the artist is present) 3 p.m.: Curatorial Tour through the exhibition
Curated by Angela Stiegler
Self-determined work is the logical foundation of the artist profession. In the exhibition »Unknown«, Benedikt Gahl describes the necessity of (artistic) autonomy. How can and will the Unknown still exist and become visible in the year 2025? This question of visibility contains a criticism of a cultural politics of representation. Here, the Unknown is set against the new and technically innovative, and understood as an investment into visual strategies capable of (re)forming us. What do I recognize on these canvasses, what is this Unknown? It transforms into a call to see and think differently. Dissent with the reality of our times can provide an opportunity to develop new forms.
The primary focus of Gahl’s work lies on oil painting on canvas and paper. Beyond, but not outside of the digitalized world, Gahl’s paintings follow familiar historical traditions of abstract painting and visual mass culture. They are supported by a pursuit of autonomy which goes beyond artistic self-determination and manifests in his work and engagement with concrete spaces. The artist, in collaboration with others, temporarily takes over a bar and turns it into a stage for free concerts and lectures, while the bar keeps running on a donation basis. The transformed and newly non-commercial space of the disused pub is understood »neither as a pub/Boaz’n, nor an event space, but rather as a place of encounter and exchange for different subcultures and social classes of the city.« (T.A.G., Temporäres Archiv der Gegenwart/Temporary Archive of the Present, 2015) The exhibition at Kunstraum aims to track and continue these localized strategies in Gahl’s oeuvre. »Unknown« should be understood as another attempt at realization of personal and social utopias in a continual present.
On occasion of the exhibition, Kunstraum Munich will publish the artist book »The Return of the 21st Century« (2025) as well as one of Gahl’s works in an edition of 50. The edition will be distributed for free at the opening.
The exhibition is curated by Angela Stiegler.
Benedikt Gahl lives and works in Munich. A gravitational centre of Gahl’s artistic practice is the continued examination of painting. Simultaneously and equally, he works at the peripheries of the arts and deals with current discourses on margins, gaps and discontinuities in our perception of history, political fights, urban and political spaces. He works as member and co-founder in different artist collectives (T.A.G., »r.a.t.s.«) and publishes books and audio media as publisher of VVV/VVR Verlag. He is active as curator and organizer of self-organized exhibitions, actions and interventions in public space.
Translated by/ übersetzt von: Samuel Fischer-Glaser
Program
Workers’ cinema Friday, May 2, 2025, 7 p.m., in Kunstraum (screening 7:30 p.m. – 8:15 p.m.)
Finissage with book launch and exhibition tour with Benedikt Gahl and Angela Stiegler Sunday, May 11, 11 a.m. (book launch), 3 p.m. (exhibition tour)
As part of Various Others: May 8-11, 2025
Ausstellungsansichten »Benedikt Gahl. Unbekannte« im Kunstraum München (Fotos: Thomas Splett)
Ausstellungsansichten »Benedikt Gahl. Unbekannte« im Kunstraum München (Fotos: Thomas Splett)
Der Konzeptkünstler Daniel Schürer folgt einem »gastlichen« Kunstbegriff, für den er, ausgehend von seinem ersten Kunstraum Via113 (Gründung 1993 in einer ehem. Schusterei), leerstehende Einkaufspassagen, Räuchereien, Treppenhäuser, Hopfendarren, Bahnhöfe, Parkhäuser, Kasernen, Stallungen oder Verlagsgebäude u.v.m. zu vitalen Kunstorten auf (un/bestimmte) Zeit umwidmet.
Das Publikum permutiert von der Betrachter:innenrolle zu Gästen und Teilnehmer:innen seiner Interventionen, das Verweilen und das Zusammenkommen sind die Gradmesser seiner meist installativen und raumgreifenden Einlassungen. Diese richten sich u. a. als Kloster, als Tanzboden, als Speiselokal, Café oder Hotel, Musik-Club, Radiostation, Zeitungsverlag, fiktive Firma, Werft an die Öffentlichkeit.
Verhandelt werden an diesen temporär etablierten Kunsträumen soziale Themen »wie das ›Nichts‹, die ›Gemeinschaft‹, das ›Miteinander‹ und damit Verbunden das ›Gegeneinander‹, gelegentlich in Worten, oft spielerisch«, so schreibt der Künstler. Geradezu performativ agiert er seit Anfang der 1990er Jahre von der Via113 in Hildesheim aus intermedial als Gründer und Betreiber verschiedenster Vermittlungsformate – die im weitesten aber auch engsten Sinne »Kunstvereine« sind – und hat nomadisch im Bundesgebiet (Hildesheim, Heudeber-Danstedt, Bonn, Weimar, Hannover, München, Bad Ems u. a.) und europaweit (Porto, Brüssel, Isle of Skye, Banska Stiavnica, Luxemburg u.a.) »Außenstellen« errichtet und teils über Jahrzehnte bespielt, um nun im kleinen Dorf Reusten (Neckar-Alp Kreis, 14km von Tübingen) Randlagen kulturell mit dem Süddeutschen Kunstverein und dem Bergcafé zu »versorgen«, in und mit der Region sein künstlerisch-kuratorisches Angebot zu realisieren.
Schürers Ansatz darf auch humanistisch gelesen werden, sein Vermittlungsvermögen und- wille schaffen es, die durchaus komplexen Bezüge seiner Arbeit ohne Ausgrenzung zu adressieren, so dass Eröffnungen seiner umfänglichenen Projekte z. T. Volksfesten ähneln, wo kunstnahe und -ferne, junge und alte Gäste (mit einfachen, äußerst schmackhaft zubereiteten Speisen begleitet) zusammenfinden. Der rastlose, bescheidene und nahbare Kulturarbeiter wird den Kunstraum für die Dauer seines Projektes transformieren, ob zu einem Club, einem Gasthaus oder einer Herberge, ob zu einem Labor für Kolleg:innen, einem Verein oder einer Firma? Vielleicht dann doch ein Kloster, sein Kloster, Mosteiro Schuerer, wie der Titel des Projektes vermuten lässt. Elementar für ihn ist, am Ort seiner Handlung zu verweilen, ein Programm anzubieten, Kolleg:innen einzuladen, mit den Menschen vor Ort zusammenzuarbeiten, in Kontakt zu kommen, Gemeinschaft zu generieren, Stille auszuhalten. Fakt ist, dass sich die Gäste bzw. Besucher:innen seiner Projekte willkommen fühlen dürfen und sich andeutet, wie weit die Aussage »ganzheitliches künstlerisches Handeln« reicht, wie Kunst und Leben zusammengehen, »wie Scheitern und Reüssieren andersartig wahrgenommen werden können«, so der Künstler weiter. Das Projekt macht sicht- und erlebbar, wie unterschiedlich das Modell Kunstverein praktiziert werden darf und welche »Ergebnisse« dieser Einsatz in Personalunion zeitigen können.
Nachdem er 2006 bereits für die Ausstellung »Glauben und Wissen« in der Galerie der Künstler:innen mit »Via113 zu Gast in München« in der Landesmetropole weilte, wird Schürer fast 20 Jahre später nun im Kunstraum München erneut Gast und Gastgeber sein.
Einladungskarte | Grafik: Daniel Schürer u. Niklas Hlawitschka
Daniel Schürer (*1965 Biberach a.d. Riss) wuchs in Cannobio (I) auf, ging in Locarno (CH) zur Schule, studierte nach Beginn einer Ausbildung zum Sommelier in Triberg und Wechsel an die Tanz-Theaterschule Imperia (I) von 1991-98 Angewandte Kulturwissenschaften an der Universität Hildesheim. Er gründete und leitete von 1992 -2024 den Kunstverein Via113 mit diversen Außenstellen. 1999-2000 Ausstellungsraum L’Ost1999, Weimar. 2000-2024 Mosteiro Schuerer, Porto (PT), seit 2009 Süddeutscher Kunstverein, Reusten. Der Künstler hat weitere Projektrahmen entwickelt und eröffnet, z. B. ICAI, Skye, Schottland (UK), BBB-Brüssel-Bagdad-Berlin, Brüssel (BE), Hotel Weisses Rössel, Reusten, KAPELLE, Bonn und Brüssel, Bergcafé Reusten, CLAP/Porto (PT). Er erhielt diverse Arbeits- und Aufenthaltsstipendien (u. a. Jahresstipendium Land Niedersachsen, Schloss Balmoral, MQ Artist-in-Residence Programm, Wien, AT) und setzte national wie international Projekte mit institutioneller Anbindung um (u. a. Kunstverein Hannover, Kunsthalle Mainz, XXIII Bienal Internacional de Arte de Cerveira, Porto (PT), Konschthaus beim Engel, Luxemburg (LU), space, Bratislava (SVK).
Kuratiert von Alexander Steig
Die Ausstellung wird gefördert durch eine großzügige Mitgliedsspende und die Finbridge GmbH & Co KG.
Die Ausstellung »Heidi Mühlschlegel: Frau S. und ihr Mann« war während der Pandemiezeit 2019/20 im Kunstraum nur unter Einschränkungen zu sehen gewesen. Die Publikation macht die Ausstellung nun noch einmal in anderer Form präsent.
Heidi Mühlschlegel arbeitet in ihren Werken (Zeichnung, Malerei, Plastik, Installation) häufig mit den Prinzipien von Schichtung und Überlagerung. Materialien wie Bildmotive werden wiederverwendet, übermalt oder übernäht. Es entsteht ein bezugreiches Bedeutungsgeflecht, das sich in den Werken immer wieder neu entfaltet.
Wir freuen uns, die Publikation nun vorstellen zu können. Die Künstlerin und die Kuratorin der Ausstellung 2019, Daniela Stöppel, sind anwesend. Während der Präsentation ist die Publikation zu einem Sonderpreis erhältlich.
Heidi Mühlschlegel: Frau S. und ihr Mann München: Kunstraum München 2024. Hrsg. von Daniela Stöppel f. d. Kunstraum München. Text von Daniela Stöppel. Gestaltung: Maximilian Westphal. Dt./Engl. 36 Seiten. 18 farbige Abb. 24 x 21 cm. Softcover. 19,- Euro.
ISBN 978-3-948754-01-3
Zur Publikation erscheint eine limitierte Edition, die als Vorzugsausgabe erhältlich ist.
Dieses Jahr bietet der Kunstraum sein Ober- und Erdgeschoss erneut zwei Gästen gleichzeitig als Sommeratelier an. Das mittlerweile traditionelle Format ermöglicht lokal agierenden Künstler:innen, den Kunstraum München während seiner Sommerpause als Arbeitsraum zu nutzen. Am Ende der einmonatigen Residenz gibt es im Rahmen eines Open Studios die Gelegenheit, Einblicke in die Arbeit der Künstler:innen zu erhalten.
Foto: Florian Donnerstag
Der aus Salzburg stammende und in München lebende Künstler Florian Donnerstag hat 2015 sein Studium der Architektur an der Universität Innsbruck abgeschlossen und anschließend an der Akademie der Bildenden Künste München mit Ernennung zum Meisterschüler in der Klasse Markus Oehlen Malerei studiert und wurde 2024 in der Klasse von Andreas Breunig diplomiert. Der Künstler betrachtet sich als Maler, arbeitet jedoch auch multimedial. Für Florian Donnerstag sind Gesten, Zeichen und Motive inhaltlich variable Konstrukte. Sein zentrales Anliegen ist es, diese vollständig aufzubrechen und als bedeutungslos darzustellen. Während des vierwöchigen Sommerateliers plant Florian Donnerstag einen großformatigen Werkzyklus zu entwickeln.
Foto: Sven Zellner
Christiane Huber ist Künstlerin, Autorin und Regisseurin. Sie studierte Psychologie in München und bildende Kunst/Sound-Art am Bard College in New York. Ihre künstlerische Praxis umfasst unterschiedliche Medien wie Theater, Performance, Text und Film. In ihren aktuellen Arbeiten beschäftigt sie sich mit Grenzen, Krieg, Gewalt, Traumata und legt einen besonderen Fokus auf die Lücken und Auslassungen in den Erzählungen derselben. Dafür erstellt sie z. B. seit 2018 ein Oral History Archiv zu Zwangsarbeit in der Landwirtschaft während der NS-Zeit. Aktuell recherchiert Christiane Huber im Białowieża-Nationalpark und führt Gespräche an der Grenze zwischen Polen und Belarus. In ihrer Sommerresidenz wird sie an einem Drehbuch und einer Komposition für Audiostationen arbeiten. Dabei sucht sie nach verschiedenen Formaten der akustischen Annäherungen an Orte von NS-Opfern und NS-Täter:innen.
Programm
Donnerstag, 29. August 2024
18 Uhr: Werkstattgespräch mit Christiane Huber und Ralf Homann 19 Uhr: Open Studio mit Florian Donnerstag
